27 mars 2020 – Journée mondiale du théâtre

27 mars 2020

Journée Mondiale du Théâtre

A propos de la Journée Mondiale du Théâtre

La Journée Mondiale du Théâtre a été créée en 1961 par l’Institut international du théâtre ITI. Elle est célébrée chaque année le 27 mars par les Centres de l’ITI et la communauté théâtrale internationale. Divers événements nationaux et internationaux de théâtre sont organisés pour marquer cette occasion. L’un des plus importants est la diffusion du message de la Journée Mondiale du Théâtre à travers lequel, à l’invitation de l’ITI, une figure d’envergure mondiale partage ses réflexions sur le thème du théâtre et de la culture de la paix. Le premier message de la Journée Mondiale du Théâtre a été rédigé par Jean Cocteau en 1962.

Depuis, chaque année, le 27 mars (date de l’ouverture de la saison «Théâtre des Nations» en 1962 à Paris), la Journée Mondiale du Théâtre a été célébrée de nombreuses façons par les Centres de l’ITI – qui sont plus de 90 à travers le monde. De plus, les théâtres, les professionnels du théâtre, les amateurs de théâtre, les universités de théâtre, les académies et les écoles célèbrent aussi cette journée.

Chaque année, une personnalité exceptionnelle du théâtre ou une personne exceptionnelle de cœur et d’esprit d’un autre domaine est invitée à partager ses réflexions sur le théâtre et l’harmonie internationale. Ce que l’on appelle le message international est traduit dans plus de 50 langues, lu pour des dizaines de milliers de spectateurs avant les représentations dans des théâtres à travers le monde, et imprimé dans des centaines de journaux quotidiens. Des collègues dans le domaine audiovisuel prêtent une main fraternelle, avec plus d’une centaine de stations de radio et de chaines de télévision diffusant le message aux auditeurs dans tous les coins des cinq continents.


Message International de l’Institut International du Théâtre

Le théâtre comme sanctuaire

C’est un grand honneur pour moi d’écrire le message de la Journée mondiale du théâtre 2020. C’est un sentiment d’une grande humilité, mais c’est aussi passionnant de penser que le théâtre pakistanais et le Pakistan lui-même, aient été reconnus par l’ITI, l’organisme mondial de théâtre le plus influent et le plus représentatif de notre époque. Cet honneur est également un hommage à Madeeha Gauhar1, icône du théâtre et fondatrice du théâtre Ajoka2, également ma compagne de vie, décédée il y a deux ans. L’équipe de l’Ajoka a parcouru un long et difficile chemin, littéralement de la rue au théâtre. Mais c’est aussi l’histoire de nombreuses troupes de théâtre, j’en suis sûr. Ce n’est jamais facile ni sans heurts. C’est toujours une lutte.

Je viens d’un pays à prédominance musulmane, qui a connu plusieurs dictatures militaires, l’horrible assaut des extrémistes religieux et trois guerres avec l’Inde voisine, avec laquelle nous partageons des milliers d’années d’histoire et d’héritage. Aujourd’hui, nous vivons toujours dans la crainte d’une guerre totale avec notre voisin frère jumeau, voire d’une guerre nucléaire, car les deux pays possèdent désormais des armes nucléaires.

Nous disons parfois en plaisantant : « les mauvais moments sont bons pour le théâtre ». Les défis à relever ne manquent pas, ni les contradictions à exposer et les statuts quo à renverser. Ma troupe de théâtre, Ajoka, et moi-même marchons sur la corde raide depuis plus de 36 ans maintenant. C’est en effet une corde raide : maintenir l’équilibre entre le divertissement et l’éducation, entre la recherche, l’apprentissage du passé et la préparation de l’avenir, entre la libre expression créative et les confrontations aventureuses avec l’autorité, entre le théâtre socialement critique et le théâtre financièrement viable, entre le fait d’atteindre les masses et d’être à l’avant-garde. Nous pouvons dire qu’un créateur de théâtre doit être un prestidigitateur, un magicien.

Au Pakistan, il existe une division claire entre le sacré et le profane. Pour le profane, il n’y a pas de place pour les questions religieuses, tandis que pour le sacré, il n’y a pas de possibilité de débat ouvert ou de nouvelles idées. En fait, l’establishment conservateur considère l’art et la culture hors limites pour ses « jeux sacrés ». Ainsi, le terrain de jeu des artistes a été comme une course d’obstacles. Ils doivent d’abord prouver qu’ils sont de bons musulmans et des citoyens respectueux de la loi, et essayer d’établir que la danse, la musique et le théâtre sont « autorisés » dans l’Islam. Un grand nombre de musulmans pratiquants ont donc été réticents à embrasser les arts de la scène, même si les éléments de la danse, de la musique et du théâtre sont ancrés dans leur vie quotidienne. Enfin, nous sommes tombés sur une sous-culture qui avait le potentiel d’amener le Sacré et le Profane sur la même scène.

Sous le régime militaire au Pakistan dans les années 1980, Ajoka a été lancé par un groupe de jeunes artistes qui ont défié la dictature à travers un théâtre de dissidence socialement et politiquement audacieux. Ils ont découvert que leurs sentiments, leur colère, leur angoisse, ont été étonnamment bien exprimés par un barde soufi3, qui vivait il y a environ 300 ans. Il s’agissait du grand poète soufi Bulleh Shah4. Ajoka a découvert qu’il pouvait faire des déclarations politiquement explosives à travers sa poésie, défiant l’autorité politique corrompue et l’establishment religieux sectaire. Les autorités pouvaient nous interdire ou nous bannir, mais pas un poète soufi vénéré et populaire comme Bulleh Shah. Nous avons découvert que sa vie était aussi dramatique et radicale que sa poésie, ce qui lui avait valu des fatwas et un bannissement de son vivant. J’ai alors écrit « Bulha », une pièce de théâtre sur la vie et la lutte de Bulleh Shah. Bulha, comme il est affectueusement appelé par les masses d’Asie du Sud, était issu d’une tradition de poètes soufis du Pendjab qui, par leur poésie et leur pratique, défiaient sans peur l’autorité des empereurs et des démagogues cléricaux. Ils écrivaient dans la langue du peuple et sur les aspirations des masses. Dans la musique et la danse, ils ont trouvé les moyens de réaliser une association directe entre l’Homme et Dieu, en contournant avec dédain les intermédiaires religieux qui les exploitaient. Ils ont défié les divisions entre les sexes et les classes et ont regardé la planète avec émerveillement, comme une manifestation du Tout-Puissant. Le Conseil des arts de Lahore a rejeté le scénario au motif qu’il ne s’agissait pas d’une pièce de théâtre mais d’une simple biographie. Cependant, lorsque la pièce a été jouée dans un autre lieu, le Goethe Institut, le public a vu, compris et apprécié le symbolisme de la vie et de la poésie du poète du peuple. Ils ont pu s’identifier pleinement à sa vie et à son époque et voir les parallèles avec leur propre vie et leur époque.

Un nouveau type de théâtre est né ce jour-là, en 2001. La musique dévotionnelle Qawwali5, la danse soufie du Dhamal6 et même la récitation de poésie inspirée, le chant méditatif du Zikir7, sont devenus des éléments de la pièce. Un groupe de sikhs8, qui se trouvait en ville pour assister à une conférence Punjabi, venu voir la pièce, a envahi la scène à la fin en pleurant et en embrassant les acteurs. Ils partageaient la scène pour la première fois avec des Punjabis musulmans après la partition de l’Inde en 19479, qui a entraîné la division du Pendjab sur des lignes communes. Bulleh Shah leur était aussi cher qu’aux Punjabis musulmans, car les soufis transcendent les divisions religieuses ou communautaires.

Cette première mémorable a été suivie par l’odyssée indienne de Bulleh Shah. Commençant par une tournée inédite dans la partie indienne du Pendjab, « Bulha » a été joué dans toute l’Inde. Même lors des moments de tensions les plus graves entre les deux pays et dans des lieux où le public ne connaissait pas un seul mot de Pendjab, le public aimait chaque moment de la pièce. Alors que les portes du dialogue politique et de la diplomatie se fermaient une à une, les portes des salles de théâtre et le cœur du public indien restaient grands ouverts. Lors de la tournée Ajoka dans le Pendjab indien en 2004, après une représentation très chaleureusement accueillie devant un public rural de milliers de personnes, un vieil homme est venu voir l’acteur jouant le rôle du grand soufi. Le vieil homme était accompagné d’un jeune garçon. « Mon petit-fils est très malade ; pourriez-vous s’il vous plaît lui donner une bénédiction ». L’acteur a été surpris et a dit : « Babaji10, je ne suis pas Bulleh Shah, je suis juste un acteur qui joue ce rôle. Le vieil homme se mit à pleurer et dit : « S’il vous plaît, bénissez mon petit-fils, je sais qu’il se remettra, si vous le faites ». Nous avons proposé à l’acteur d’exaucer le souhait du vieil homme. L’acteur a donné une bénédiction au jeune garçon. Le vieil homme fut satisfait. Avant de partir, il dit ces mots : « Mon fils, tu n’es pas un acteur, tu es une réincarnation de Bulleh Shah, son Avatar11. » Soudain, un tout nouveau concept de jeu, de théâtre, s’est imposé à nous, où l’acteur devient la réincarnation du personnage qu’il incarne.

Au cours des 18 années de tournée de « Bulha », nous avons constaté une réaction similaire de la part d’un public apparemment non initié, pour qui le spectacle n’est pas seulement une expérience divertissante ou intellectuellement stimulante, mais une rencontre spirituelle émouvante. En effet, l’acteur jouant le rôle du maître soufi de Bulleh Shah a été si profondément influencé par l’expérience qu’il est lui-même devenu poète soufi et a depuis publié deux recueils de poèmes. Les acteurs qui ont participé à la production ont partagé cela lors du début du spectacle, l’esprit de Bulleh Shah est parmi eux et la scène semble avoir été élevée à un niveau supérieur. Un érudit indien, en écrivant sur la pièce, lui a donné le titre : « Quand le théâtre devient un sanctuaire ».

Je suis une personne laïque et mon intérêt pour le soufisme est principalement culturel. Je m’intéresse davantage aux aspects performatifs et artistiques des poètes soufis du Pendjab, mais mon public, qui n’est pas forcément extrémiste ou bigot, peut avoir des croyances religieuses sincères. L’exploration d’histoires comme celle de Bulleh Shah, et il y en a tellement dans toutes les cultures, peut devenir un pont entre nous, créateurs de théâtre et public anonyme mais enthousiaste. Ensemble, nous pouvons découvrir les dimensions spirituelles du théâtre et construire des ponts entre le passé et le présent, menant à un avenir qui est la destinée de toutes les communautés ; croyants et non -croyants, acteurs et vieillards, et leurs petits-fils.

La raison pour laquelle je partage l’histoire de Bulleh Shah et notre exploration d’un type de théâtre Soufi est que, lorsque nous nous produisons sur scène, nous nous laissons parfois emporter par notre philosophie du théâtre, notre rôle de précurseurs du changement social et, ce faisant, nous laissons une grande partie des masses derrière nous. Dans notre engagement face aux défis du présent, nous nous privons des possibilités d’une expérience spirituelle profondément émouvante que le théâtre peut offrir.

Dans le monde d’aujourd’hui où le sectarisme, la haine et la violence sont à nouveau en progression, les nations semblent s’opposer les unes aux autres, les croyants se battent contre d’autres croyants et les communautés répandent leur haine contre d’autres communautés… et pendant ce temps, les enfants meurent de malnutrition, les mères durant l’accouchement par manque de soins médicaux en temps voulu et les idéologies de haine fleurissent. Notre planète est plongée de plus en plus profondément dans une catastrophe climatique, nous entendons le martèlement des sabots des chevaux des Quatre Cavaliers de l’Apocalypse12. Nous devons reconstituer notre force spirituelle ; nous devons combattre l’apathie, la léthargie, le pessimisme, la cupidité et le mépris du monde dans lequel nous vivons, de la planète sur laquelle nous vivons. Le théâtre a un rôle, un rôle noble, dans la dynamisation et la mobilisation de l’humanité pour se relever de sa descente dans l’abîme. Il peut élever la scène, l’espace de représentation, en quelque chose de sacré.

En Asie du Sud, les artistes touchent avec révérence le sol de la scène avant d’y poser le pied, une tradition ancienne où le spirituel et le culturel s’entremêlent. Il est temps de retrouver cette relation symbiotique entre l’artiste et le public, le passé et l’avenir. La création théâtrale peut être un acte sacré et les acteurs peuvent en effet devenir les avatars des rôles qu’ils jouent. Le théâtre élève l’art de jouer à un niveau spirituel supérieur. Le théâtre a le potentiel pour devenir un sanctuaire et le sanctuaire un lieu de représentation.


NOTES

  1. Madeeha Gauhar (1956-2018) : Directrice de théâtre, actrice, féministe et fondatrice de l’Ajoka Theatre. Elle est titulaire d’une maîtrise en théâtre du Royal Holloway College de Londres et a reçu la médaille de distinction du gouvernement du Pakistan et le prix du Prince Claus des Pays -Bas.
  2. Théâtre Ajoka : Créé en 1984, le mot Ajoka signifie « contemporain » en punjabi. Son répertoire comprend des pièces sur des thèmes tels que la tolérance religieuse, la paix, la violence sexiste, les droits de l’homme.
  3. Le soufisme : La tradition mystique islamique, qui cherche à trouver la vérité de l’amour divin par l’expérience personnelle directe de Dieu, est devenue populaire en raison de sa prédication de la fraternité universelle et de son opposition à l’application doctrinaire rigide des enseignements religieux. La poésie soufie, principalement rendue par la musique, exprime l’union mystique à travers les métaphores de l’amour profane.
  4. Bulleh Shah (1680-1757) : Un poète soufi influent du Pendjab, qui a écrit sur des sujets philosophiques complexes dans un langage simple, il était un critique sévère de l’orthodoxie religieuse et de l’élite dirigeante. Il a été expulsé de la ville de Kasur, accusé d’hérésie et on lui a refusé l’enterrement dans le cimetière de la ville. Populaire parmi les chanteurs de dévotion et les chanteurs folkloriques. Admiré au-delà des clivages religieux.
  5. Qawwali: La poésie soufi dévotionnelle, présentée par des groupes de chanteurs (Qawwals), était à l’origine interprétée dans les sanctuaires soufis, conduisant les auditeurs à un état d’extase.
  6. Dhammal : Danse extatique dans les sanctuaires soufis, généralement au rythme du tambour.
  7. Zikir : Chant rythmique dévotionnel, récitation de prières, réalisation de l’illumination spirituelle.
  8. Sikhs : Les adeptes de la foi sikhe, fondée au Pendjab au XVe siècle par le gourou Nanak.
  9. L’État musulman du Pakistan a été arraché à l’Inde en 1947 dans le cadre d’un carnage communautaire sans précédent et d’une migration massive de population.
  10. Babaji : Une expression de respect pour un homme âgé.
  11. Avatar : Réincarnation ou manifestation sur Terre d’un enseignant divin, selon la culture hindoue.
  12. Les quatre cavaliers de l’Apocalypse sont décrits par Jean de Patmos dans son livre de l’Apocalypse, le dernier livre du Nouveau Testament. Dans la plupart des récits, les quatre cavaliers sont considérés comme symbolisant respectivement la Conquête, la Guerre, la Famine et la Mort

Shahid NADEEM, Pakistan

Auteur dramatique


Shahid NADEEM, Pakistan

Auteur dramatique

Shahid Nadeem est le principal auteur dramatique du Pakistan, il dirige le célèbre théâtre Ajoka.

Shahid Nadeem est né en 1947 à Sopore, au Cachemire. Il est devenu réfugié à l’âge de 1 an, lorsque sa famille a dû émigrer vers le Pakistan, nouvellement créé après la guerre de 1948 entre l’Inde et le Pakistan au sujet de l’état contesté du Cachemire. Il a vécu à Lahore, au Pakistan, où il a fait sa maîtrise en psychologie à l’université du Pendjab. Il a écrit sa première pièce de théâtre en tant qu’étudiant universitaire mais est devenu un auteur dramatique dévoué lorsqu’il a commencé à contribuer, depuis son exil politique à Londres, à des pièces pour la troupe de théâtre dissidente du Pakistan, Ajoka, créée par Madeeha Gauhar, une pionnière du théâtre, qu’il a ensuite épousée. Shahid Nadeem a écrit plus de 50 pièces originales en panjabi et en urdu et plusieurs adaptations de pièces de Brecht.

Il a collaboré avec la télévision pakistanaise en tant que producteur et membre de la direction. Il a été emprisonné à trois reprises sous différents gouvernements dirigés par l’armée pour son opposition au régime militaire et a été choisi comme prisonnier de conscience par Amnesty International. Dans la tristement célèbre prison de Mianwali, il a commencé à écrire des pièces de théâtre pour le week-end, produites par et pour les prisonniers. Plus tard, il a travaillé comme coordinateur des campagnes internationales et a été responsable de la communication Asie-Pacifique pour Amnesty International. Il a été boursier au Getty Research Institute, à International Pen, aux États-Unis, et au National Endowment for Democracy. Il est également membre du réseau « Théâtre sans frontières ».

Les pièces de Shahid Nadeem ont été largement jouées et publiées au Pakistan et en Inde. Ses pièces ont également été jouées dans le monde entier, notamment Bulha, au Hammersmith Theatre (Londres, Royaume-Uni), Tramway (Glasgow, Écosse, Royaume-Uni) et Helsignor (Danemark), Amrika Chalo au Davis Centre for Performing Arts, Georgetown University, Washington (États-Unis), Bala King au Black Box Theatre (Oslo, Norvège), Burqavaganza aux États-Unis au Bravo for Women Theatre (San Francisco), Acquittal aux Highways (Santa Monica) et au Theatre Row (New York) et Dara au Lyttleton Theatre London (Royaume-Uni) et à l’Université de Caroline du Nord, Chapel Hill (États-Unis).

Ses pièces ont été traduites en anglais et publiées par Oxford University Press, Nick Hern Publishers et dans plusieurs anthologies. Il a reçu la Médaille du Président du Pakistan Pride of Performance en 2009. Il a également dirigé des pièces pour la scène et la télévision et a organisé des festivals de Théâtre pour la Paix en Inde et au Pakistan. Il a contribué aux principaux journaux pakistanais et indiens et au service ourdou de la BBC. Il a produit des documentaires sur des sujets culturels, notamment sur le musée de Lahore, les coutumes du Punjab, le poète Iqbal et le peintre Sadeqain.

Les pièces de Shahid Nadeem sont très appréciées pour leur audace sur des sujets socialement pertinents et parfois tabous comme l’extrémisme religieux, la violence faite aux femmes, la discrimination contre les minorités, la liberté d’expression, le climat, la paix et le soufisme. Plusieurs de ses pièces abordent les questions de la partition de l’Asie du Sud et de l’héritage culturel commun de cette région. Il combine habilement les thèmes sociaux et politiques contemporains avec les formes traditionnelles et l’héritage populaire pour présenter un théâtre divertissant et intellectuellement stimulant. La musique fait partie intégrante de ses productions théâtrales. Il enseigne l’art de l’écriture à l’Ajoka Institute for Performing Arts et à l’Institute for Art and Culture, à Lahore.


Le Conseil québécois du théâtre honore l’art théâtral si essentiel à l’identité et la culture d’une nation. Il confie la rédaction du message québécois à une personnalité de théâtre et salue ainsi la contribution du théâtre québécois au rayonnement international du Québec et du Canada.

En 2020, Laurence Brunelle-Côté codirectice artistique du Bureau de l’APA, signe le message québécois.


Message québécois pour la Journée mondiale du théâtre


« Peut-être est-ce le moyen que j’ai trouvé pour que ma vie ressemble plus à “un projet en cours” qu’à de la cendre tombant d’une cigarette »

Maggie Nelson


Hier, j’ai poussé habilement mon ficus
en bas de mon bureau ;
les racines sont sorties de terre.

Parce qu’il faut compter ce qui ne se
peut pas
Pour que ça se puisse un peu.
Crisser notre torpeur indéchiffrable
dans des sabliers vertigineux ;
d’où s’écoule le tremblement des
minutes.

Demeurer intacte.
Circuler dans le monde en accordéon.
C’est ça que je voulais :
faire des choses qui me font circuler.

En silence, des fois ;
Souvent, par en dedans ;
Me vider lentement, en filament,
dans une longue goutte interminable.

Se faire accroire que, peut-être,
les déchirures du monde nous
appartiennent.
Perdre mille solutions
dans le vacarme des avenirs.

Combien de fois on peut faire tomber un ficus ?

Les oiseaux réclament leur dû
depuis une bonne secousse
des pelures de ciel
scotchées aux pattes.

Je peux ce paysage là.
Celui à la lisière de la capture.
En descendant sur les battures,
on pourrait même se reconnaitre.

J’aurais une brûlure
que tu ferais fondre sous ta langue.
Et je me réparerais à chaque lampée.

Combien de fois on peut faire tomber
un ficus. Sérieusement ?

L’origine se réinvente tout le temps
Je suis-tu toute seule ?
Pognée dans ma loop-accordéon
ou bien
on se reconnait encore ?

Pour m’échapper du centre de
moi-même
J’ai pris une rue et une débarque.
Je m’échoue sur une hésitation.

J’ai laissé l’ennui franchir le seuil
dans une sorte de fuite machinale ;
pour m’accrocher aux bords des
falaises et éviter la chute.

Mes racines à moi ne sortiront pas
de terre.

Je reprise la minerve de mon
isolement
Parce que la réinvention passera par
des flottements, des escarpements
affamés
et quelques longues attentes.

Combien de fois on peut faire tomber
un ficus. Sérieusement ?

Désavouer les instincts qui ne
frémissent plus
Traverser notre nord perdu sur les
genoux
dans le craquement sec des espaces
et dans le flop flop de quelques oies.
Sans regard pour nos échecs décâlis.

La terre de mon ficus frissonne un peu.
Les racines sont ratoureuses.
On aura assisté même à nos
dernières morts.

Tes yeux rapetissent au bout de
chacun de mes doigts
Et tout ce qu’on a été nous rallonge.


Laurence Brunelle-Côté, autrice du message québécois du théâtre 2020

Laurence Brunelle-Côté est une poète et performeure de Québec. Elle a étudié le théâtre à l’Université Laval. Elle cherche à réinventer (un peu) le langage des arts vivants. Heureusement, son handicap l’a amené à développer de nouveaux vocabulaires et lui permet d’emprunter d’autres chemins.

Elle est co-directice artistique du Bureau de l’APA, un atelier de bricolage indiscipliné permettant la rencontre de créateurs de tous horizons de projets artistiques atypiques. Laurence a publié le recueil « Pas encore mort » en 2017 avec l’artiste Chloé Surprenant et « L’Effondrement: compte rendu» en 2019 avec l’artiste Stéphanie Béliveau, à chaque fois en complicité avec les Éditions Rodrigol.​


Source : Conseil québécois du théâtre.


Message canadien de la Journée mondiale du théâtre 2020

Le message canadien de la Journée mondiale du théâtre 2020 est signé par Geneviève Pelletier, metteure en scène ainsi que directrice artistique et générale du théâtre Cercle Molière à Winnipeg. À travers son message Geneviève nous invite à considérer le théâtre comme un lieu où chacun à sa place.

Bonne journée internationale du théâtre

Président éditeur, Fondation littéraire Fleur de Lys

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Publié dans Actualité au jour le jour

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